Revue d’art : découvrez l’effet des influences de Judy Glickman Lauder dans des expositions de photos simultanées

“Maine, 2016” Photo de Judy Glickman Lauder/avec l’aimable autorisation du Maine Jewish Museum

Parfois, nous ne savons pas ce que les artistes eux-mêmes collectionnent jusqu’à leur mort. Il s’est avéré qu’Andy Warhol était un amateur obsédé de pots à biscuits, de meubles éclectiques, de bijoux et d’artefacts amérindiens. D’autres fois, ils sont assez publics sur leurs habitudes de collection, comme Jeff Koons, qui aime les peintures de maîtres anciens et du XIXe siècle, ou Damien Hirst, qui possède des Picasso, des Warhol et des Bacon.

Mais il est rare d’avoir l’occasion de voir aussi directement comment les objets qu’un artiste collectionne ont façonné son propre travail. C’est le cas de deux expositions actuellement présentées à Portland : “Presence : The Photography Collection of Judy Glickman Lauder” au Portland Museum of Art (jusqu’au 15 janvier) et “Following the Light : Photographs by Judy Glickman” au Musée juif du Maine (jusqu’au 27 octobre). C’est un accord qui offre un régal très spécial.

Le spectacle PMA est une centrale électrique qui abat le photographe et philanthrope du Maine Glickman Lauder généreux legs de plus de 600 photographies, en tirant certaines des images les plus emblématiques du médium et en les mélangeant avec des travaux de photographes moins connus. Fait intéressant, ce ne sont pas les photos célèbres qui sont les succès pour moi.

Il ne fait aucun doute que les images familières sont toujours puissantes. «Migrant Mother (Florence Owens Thompson), Nipomo, Californie» de Dorothea Lange vous brisera toujours le cœur. “Power House Mechanic” de Lewis Hine est un hymne à la dignité innée des ouvriers américains et un équivalent moderne de la vénération de Michel-Ange pour la beauté masculine. “American Gothic (Portrait d’Ella Watson, Washington, DC)” de Gordon Parks vous met encore au défi d’appeler cette femme noire au regard provocateur “inégale” ou pas une Américaine.

De tous ces sujets émane la qualité essentielle du titre de l’émission. Mais d’autres images semblent emballer un coup de poing encore plus lourd pour leur méconnaissance; le fait qu’ils vous prennent par surprise ajoute à leur impact. Nous ne pouvons pas nous empêcher de nous émerveiller de la façon dont ils ont échappé à notre attention – ou à notre exposition à travers une exposition plus large – pendant si longtemps. L’une de ces images est “L’attentat à la bombe de l’église baptiste de la seizième rue, des foules attendent le long de la route funéraire, Birmingham, Alabama” de Danny Lyon.

Chroniqueuse franche du mouvement des droits civiques, Lyon capture une femme regardant la caméra dont l’expression a une présence qui ressemble à une confrontation très personnelle. C’est un mélange explosif de fureur, d’indignation, de douleur profonde, de chagrin et de trahison qui semble convoquer des siècles de mauvais traitements et de discrimination jusqu’à la surface.

Norman Seeff (États-Unis, né en Afrique du Sud, né en 1939), « Robert Mapplethorpe et Patti Smith, New York », 1969, tirage pigmentaire d’archives, 15 x 22 pouces. Portland Museum of Art, Maine, Don promis de la collection Judy Glickman Lauder, 1.2016.1. Image courtoisie de Luc Demers. © Photographie de Norman Seeff

Cette photographie fait partie d’une section intitulée « Travail, justice et dignité », qui est la plus émotionnellement déchirante de l’exposition. Mais il y a beaucoup de moments plus légers, y compris les photos irrésistiblement joyeuses de Mario Giacomelli de prêtres tourbillonnant et dansant dans la neige ; l’insouciance juvénile de Patti Smith et Robert Mapplethorpe dans le portrait de leur amitié par Norman Seeff ; La ruse et la sagesse d’Isak Dinesen dans le portrait de Richard Avedon de l’auteur danois « Out of Africa ».

Il y a aussi des exemples d’intériorité presque atroce. L’image de Diane Arbus de la peintre Agnès Martin semble presque envahissante dans la façon dont elle perce l’intimité de Martin pour capturer sa réticence et sa vulnérabilité, surtout si l’on tient compte des luttes de Martin contre la maladie mentale. Vous avez presque envie de détourner le regard d’embarras.

En tant que collectionneur, on peut voir le penchant de Glickman Lauder pour les scènes légèrement surréalistes, quelque chose qui habite également quelques images de l’exposition du Musée juif. Par exemple : le « Train funéraire de Robert F. Kennedy, Harmans, Missouri » de Paul Fusco en 1968, une image d’une famille, des fils en short, faisant la queue au garde-à-vous près des voies ferrées. Pourquoi les garçons sont-ils à moitié nus ? Ou il y a “Brunswick Hotel, Boston, Massachusetts” de Verner Zevola Reed III de 1957, représentant une table de clients dans le salon de thé de l’hôtel profitant d’un concert dans leur meilleur dimanche tandis que les décombres s’entassent devant la porte (l’hôtel était en cours de démolition pour accueillir un nouvel immeuble de bureaux).

PORTRAIT D’UN ARTISTE

Ce sont des images comme celle-ci qui sont les plus intéressantes car elles semblent indiquer l’évolution de l’œil de Glickman Lauder en tant que photographe. Glickman Lauder a tourné des films en noir et blanc et les a développés dans la chambre noire pendant environ 40 ans. Mais à l’exposition « Suivre la lumière » du Musée juif, prévue en même temps que l’exposition PMA, nous voyons sa photographie couleur numérique, ce qui marque un changement significatif. “Avec un sentiment de présence intérieure, la pureté de la couleur elle-même et ses ombres les plus profondes”, explique-t-elle dans sa déclaration, “j’entre dans la lumière, dans l’image elle-même”.

Nous la voyons littéralement “entrer dans la lumière” dans le sens où son reflet ou son ombre apparaît quelque part dans la plupart des images. Parfois, c’est assez subtil, ajoutant une sorte d’archétype Où est Waldo aux images. Pourtant, cet appareil se sent aussi confiant, affirmant la stature de Glickman Lauder en tant qu’artiste à part entière.

Judy Glickman Lauder, “New York, 2014” Image reproduite avec l’aimable autorisation du Maine Jewish Museum

Voir ces œuvres dans le cadre de l’exposition « Présence » de la PMA est fascinant. Les grilles et les rectangles – qu’ils soient clairs ou abstraits – sur des photos comme “New York, 2014” ou “New York, 2020” se rapportent aux images de la PMA de Mary Alpern, qui a photographié des moments intimes dans un club de strip-tease à travers la grille de la fenêtre de la salle de bain du club à travers de son atelier. Le caractère illicite des clichés d’Alpern semble également imprégner “Londres, Angleterre, 2015” de Glickman Lauder, une photo de la vitrine de ce qui semble être un sex-shop, bien que Glickman Lauder soit plus drôle et plus flirteur.

L’image des bâtiments de « Helsinki, Finlande, 2013 » rappelle diverses images architecturales du salon PMA. Le sens de la couleur de Glickman Lauder dans plusieurs photos, en particulier celles éclairées artificiellement ou celles qui s’attardent dans la lumière orangée du coucher du soleil, ressemble à la pénombre éblouissante et brillante des scènes de la chambre de Nan Goldin à la PMA, bien que sans la charge sexuelle .

Judy Glickman Lauder, “Bilbao, Espagne, 2015” Image reproduite avec l’aimable autorisation du Maine Jewish Museum

Le recadrage sévère d’une photographie comme “Bilbao, Espagne, 2015” au Musée juif semble synchrone avec le magnifique nu de Ruth Bernhard, “Triangles” de 1946 à la PMA.

L’artiste a longtemps eu un penchant pour la prise de vue dans des reflets qui brouillent notre lecture d’une image, ce qui se produit encore et encore à “Following the Light”. “Maine, 2016” est une image d’une image – à savoir, je crois, le triptyque “Sent” de William Wegman, trois Polaroids mis côte à côte pour montrer ses Weimaraners signature assis dans un canoë. L’éclat du verre dans lequel elle tire reflète la propre ombre de Glickman Lauder. Pourtant, toute la scène – travail de Wegman, reflets et ombre de l’artiste – apparaît plate, comme si tout était sur un seul plan, même si nous savons rationnellement que cela ne peut pas être vrai.

Judy Glickman Lauder, “Floride, 2018” Image reproduite avec l’aimable autorisation du Maine Jewish Museum

“Florida, 2018” est une masse de réflexions qui comprend une reproduction de la Joconde qui semble être à l’intérieur d’une vitrine, un agent de sécurité à côté d’elle. Le verre reflète les bâtiments bas en stuc de l’autre côté de la rue et une rangée de palmiers. En prenant cette image, nos yeux ricochent entre ce que nous pensons être le premier plan et l’arrière-plan, l’intérieur et l’extérieur.

Cette préoccupation découlait clairement de son éducation. À la PMA, il y a une photographie de la mère de Glickman Lauder, Louise Weinstein Ellis, prise par le père de Glickman Lauder, le Dr Irving Bennett Ellis – un photographe primé. Il s’agit en fait de deux portraits collés l’un à l’autre, l’un riant, cigarette à la main, l’autre plus réfléchi et sérieux. Nous voyons ici le même genre de confusion entre le premier plan et l’arrière-plan.

Judy Glickman Lauder (États-Unis, née en 1938), « Café Istanbul », vers 2002, épreuve à la gélatine argentique, 24 x 30 1/2 pouces. Portland Museum of Art, Maine, Don promis de la collection Judy Glickman Lauder, 5.2007.2. Image courtoisie de Luc Demers © Collection Judy Glickman Lauder

On le voit aussi dans la photographie noir et blanc déroutante de Glickman Lauder intitulée « Café Istanbul » (2002) à la PMA. Impuissant à le comprendre, j’ai demandé au conservateur de l’émission, le Dr Anjuli Lebowitz, comment Glickman Lauder y était parvenu. Je ne veux pas gâcher le mystère, donc je ne dirai rien. Ce que je mentionnerai, cependant, c’est que même après l’explication de Lebowitz, l’image a continué à jouer avec mon cerveau et ma perception.

En aucun cas, je ne veux impliquer que le travail de Glickman Lauder est dérivé. Ce n’est pas. Mais on voit comment certains éléments et qualités du travail des photographes qu’elle a collectionnés se sont logés dans ses banques de mémoire. Cela peut éclairer les propres prédilections de Glickman Lauder pour le sujet, la lumière et la couleur, en même temps que nous pouvons deviner comment ces prédilections pourraient émerger dans son propre travail, bien que d’une manière nouvelle et totalement originale.

Jorge S. Arango écrit sur l’art, le design et l’architecture depuis plus de 35 ans. Il vit à Portland. Il est joignable au : [email protected]


Utilisez le formulaire ci-dessous pour réinitialiser votre mot de passe. Lorsque vous aurez soumis l’e-mail de votre compte, nous vous enverrons un e-mail avec un code de réinitialisation.

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *