Mitra Abbaspour est conservatrice Haskell de l’art moderne et contemporain au Musée d’art de l’université de Princeton. Son travail comprend une gamme variée de pièces des 20e et 21e siècles, y compris l’art latino-américain, l’art asiatique et asiatique américain et l’art afro-américain. Depuis 2016, Abbaspour collectionne des pièces contemporaines autochtones d’Amérique du Nord, entre autres, pour le Musée d’art de l’Université.
Cette interview a été légèrement modifiée pour plus de clarté et de concision.
Le Quotidien Princetonien : Pour commencer, pourriez-vous s’il vous plaît expliquer à quoi ressemble votre travail ?
Mitra Abbaspour : En tant que conservateur de l’art moderne et contemporain au University Art Museum, mon travail comporte de multiples aspects, mais son cœur est le soin d’une collection d’œuvres d’art qui représentent les pratiques artistiques des 20e et 21e siècles à travers le monde. Les soins consistent à s’assurer que nous avons une bonne connaissance des objets pour les préserver et à rechercher ces objets pour leur donner un contexte et une signification plus profonds, afin qu’ils puissent être des objets d’étude pour notre corps étudiant actuel, nos professeurs et nos universitaires invités.
Cela comprend la création d’expositions et d’installations de galeries qui intègrent ou élargissent ce que nous savons des pratiques artistiques des 20e et 21e siècles dans le monde et les utilisent comme plateformes pour engager à la fois le campus actuel et la communauté au sens large dans des conversations sur ce sujet.
L’attention comprend également une réflexion stratégique sur la façon de développer cette collection, comment s’appuyer sur elle pour s’assurer que nous investissons dans ses forces et répondre aux lacunes, car, bien sûr, cela ne représente pas instantanément des décennies de pratiques artistiques. C’est un processus de continuer à travailler vers cette définition.
DP : En parlant de processus, comment décidez-vous du type d’art à acquérir ? Qu’est-ce qui vous a poussé à commencer à collectionner des œuvres d’artistes autochtones?
MA : J’essaie de comprendre la conversation qui définit notre moment présent. Quand je suis arrivé à Princeton en 2016, il était clair pour moi que le sujet du nationalisme n’était pas seulement une conversation déterminante aux États-Unis d’Amérique – l’identité nationale était une conversation culturelle omniprésente et de plus en plus mondiale, et les artistes étaient profondément engagés dans cela comme bien. De mon point de vue, aux États-Unis, la conversation était centrée sur les questions « Qu’est-ce que l’Amérique ? » et “Qui est l’Amérique?”
Il est devenu vraiment important pour moi de penser plus complexe aux États-Unis en tant qu’entité géopolitique qui contient de nombreuses Premières Nations et des individus qui ont non seulement un profond sentiment millénaire d’appartenance culturelle et ancestrale, mais aussi des cadres géopolitiques profonds.
DP : Lorsque vous recherchez ces artistes, comment vous assurez-vous qu’ils sont également inclus et représentés dans cette conversation ?
MA : C’est une excellente question. J’ai travaillé avec l’un de mes collègues – qui est conservateur associé en art moderne et contemporain – pour développer un «formulaire d’admission d’artiste». Nous travaillons à rendre plus routinière la pratique de la collection d’œuvres d’artistes vivants. Au moment de l’acquisition, nous posons aux artistes une série de questions standard sur l’objet et sur eux-mêmes, pour leur permettre de s’identifier et d’apporter leur point de vue sur la façon d’interpréter et de comprendre cet objet.
Bien sûr, une fois créée et intégrée à une collection publique, elle sera étudiée, interprétée, analysée et utilisée dans de multiples contextes, qui ne sont pas tous définis par le créateur. Cependant, nous voulons créer un système par lequel l’artiste est amené avec son travail comme document principal de sa voix. Cela leur permet également de prendre des décisions sur la façon dont leurs pièces sont représentées. Par exemple, de nombreux artistes autochtones se réfèrent à l’endroit où ils sont nés par son nom autochtone, mais ce nom n’est souvent pas celui que nous trouverions sur une carte géopolitique. Ainsi, créer des systèmes par lesquels nous pouvons répertorier plus d’un nom – afin qu’il puisse être défini à la fois dans la langue du créateur et comment nous comprendrions pour le localiser sur une carte – dans l’espace de la galerie est particulièrement pertinent.
DP : Quelles sont les œuvres passionnantes que vous avez récemment acquises pour l’université ?
MA : Je suis très fier de notre acquisition d’une œuvre multimédia de Rose B.Simpson. Son travail a récemment été présenté dans l’un de nos espaces satellites. Elle a acquis beaucoup plus de notoriété au cours des dernières années depuis que cette œuvre est entrée dans nos collections. C’est particulièrement remarquable parce que c’est un travail qui représente les femmes Pueblo comme faisant partie d’une plus grande communauté mondiale de femmes.
Je suis également ravi de représenter de Cara Romero « Contes de coyotes » et Sonya Kelliher-Peignes‘ “Idiot Strings, les choses que nous portons.” Sonya est une artiste du nord-ouest de l’Alaska et est une voix contemporaine très importante dans la conversation avec le vaste corpus de collections historiques que nous avons de cette région.
La raison pour laquelle je les ai soulignés en partie est que Rose [work] est une sculpture multimédia en céramique, celle de Cara est une photographie et celle de Sonya est une grande installation sculpturale faite de peau et de tendons d’animaux. Il est très important pour moi que nous collections à travers les médias, à différentes échelles et dans différents langages visuels pour représenter la diversité des pratiques.
DP : D’autre part, y a-t-il certaines pièces que vous aimeriez ajouter à votre collection et que vous recherchez encore ?
MA : Je dirais que l’objectif et la priorité en ce moment sont d’établir des liens au sein de la communauté des Lenni-Lenape, qui sont autochtones de la terre de Princeton et de la grande région de la région du Nord-Est, afin que nous représentions les voix et les pratiques de les gens qui sont indigènes à l’endroit de Princeton lui-même.
DP : Une grande partie de l’art est la façon dont nous l’affichons. Quel rôle l’art autochtone jouera-t-il dans ce musée et comment envisagez-vous d’exposer ces œuvres ?
MA : Il jouera plusieurs rôles. Cela fait partie intégrante de la façon dont nous racontons une histoire sur l’art dans les Amériques, qui est au centre de cette exposition dans le nouveau musée. Il fait partie intégrante de la compréhension de l’art de notre temps. Il fait partie intégrante de la façon dont nous comprenons l’art historique des Amériques, comme une façon de comprendre la continuité au fil des siècles des créateurs, du passé jusqu’au présent. Il apparaîtra absolument, dès le départ, dans ces trois contextes.
Il est également essentiel que ce travail continue d’être contextualisé en lui-même, que nous ne l’utilisions pas toujours pour compliquer des récits avec d’autres, mais aussi que nous le reconnaissions comme étant une conversation et une pratique artistiques propres au groupe culturel et au contexte. . Il y aura de nombreuses galeries inter-collections, et je pense qu’on peut s’attendre à retrouver la présence de ces œuvres dans celles-ci également.
DP : Y a-t-il une perspective particulière que vous essayez de partager à travers cette collection ?
MA : Je souhaite compliquer l’idée de qui nous sommes – en tant que communauté, culture et identité – et créer un espace pour que cela soit multiple, partiel, stratifié et complexe. Une chose que j’espère que le programme contemporain fera toujours est non seulement de permettre à de nombreuses personnes de se voir représentées au sein du musée, mais aussi d’offrir de nombreuses opportunités à chacun de réfléchir à son rôle en tant qu’individu, en tant que citoyen, en tant qu’être humain, au sein du contexte du monde dans lequel nous vivons aujourd’hui – un monde global, une économie multiculturelle, qui est profondément façonné par la relation de la civilisation à la nature. C’est la perspective qui, je l’espère, ressortira dans ce travail. Je pense qu’elle a un vrai rôle à jouer, notamment dans la réflexion sur la place de ce musée, de cette université.
DP : Enfin, vous avez été le commissaire de plusieurs expositions sur des sujets très différents. Sur le plan personnel, comment votre expérience de collection d’œuvres autochtones influence-t-elle votre approche d’autres aspects de votre travail ?
MA : Oh, c’est aussi une merveilleuse question. Une très bonne question de conclusion. La plus grande récompense de travailler dans un contexte universitaire est l’opportunité non seulement de créer ces opportunités de réflexion élargie pour un public, mais aussi de toujours continuer à apprendre et à remettre en question les façons dont j’ai été formé pour structurer les connaissances, les façons de dont j’ai encadré ma vision du monde.
En collectionnant l’art indigène contemporain, j’ai peut-être cherché à compliquer la définition de ce qu’est l’Amérique, mais j’ai certainement appris et continue d’apprendre comment ma propre identité et mon éducation en tant que citoyen américain ont structuré une vision du monde qui n’est qu’à sens unique. de voir l’histoire, le temps et l’espace, et le lieu où je vis. J’ai été très récompensé d’être mis au défi de réfléchir attentivement et intentionnellement à la façon dont j’utilise le langage et aux façons dont je peux présenter les connaissances pour permettre de multiples façons de penser.
Kerrie Liang est rédactrice en chef pour The Prospect et rédactrice en chef adjointe pour les podcasts au « Prince ». Elle peut être contactée à kerrie.liang@princeton.edu, ou sur Instagram à @kerrie.liang.