Dimitris Daskalopoulos explique pourquoi il a fait don de sa collection d’art – ARTnews.com

Un appareil sur le ARTnews Liste des 200 meilleurs collectionneurs jusqu’à ce qu’il arrête d’acquérir de l’art il y a trois ans, homme d’affaires et entrepreneur Dimitris Daskalopoulos a récemment décidé de l’avenir de sa collection d’art, offrant plus de 350 œuvres de 142 artistes à quatre institutions : 140 pièces iront au Musée national grec d’art contemporain (EMST) ; une centaine d’entre eux appartiendront conjointement au Guggenheim et au MCA Chicago ; et 110 se dirigent vers la Tate.

Daskalopoulos, qui a commencé à collectionner en 1994, a longtemps siégé aux conseils d’administration de ces institutions, ainsi qu’au conseil de direction du nouveau musée. Il est un partenaire fondateur du Whitechapel Gallery Future Fund et est également responsable de la création de NEON, une organisation à but non lucratif engagée à apporter la culture contemporaine au public en Grèce.

Ce qui distingue sa collection, c’est qu’elle se concentre sur des œuvres d’art volumineuses, complexes et difficiles, telles que 1991 d’Helen Chadwick. Fleurs de pisse sculptures, coulées en bronze à partir de motifs réalisés par le matériau de leur titre, et la vaste installation d’Annette Messager en 1995 Dépendance/Indépendance, qui comprend du tissu, des photographies, des cordes, des bas résille, des peluches, des filets, du plastique et des lampes. Ce qui suit est un condensé d’un entretien avec Daskalopoulos réalisé par ARTnews rédactrice en chef Sarah Douglas au Peggy Guggenheim Museum de Venise en avril dernier.

Ma collection était sur l’art contemporain Depuis le début. Il ne s’agissait pas de ma maison, il ne s’agissait pas de créer de la richesse. C’est pourquoi j’ai eu l’audace d’acheter toutes sortes de gros travaux. Je crois que ma collection est devenue respectable parce qu’elle a de la cohérence. Il n’a jamais dévié sur les artistes incontournables ou le nouvel artiste ou la nouvelle star. Il était très clair pour moi ce qu’il fallait acheter et ce qu’il fallait rejeter. Je dis toujours que lorsque vous construisez une collection, ce que vous rejetez est plus important que ce que vous achetez. Il y a quelques années, j’ai arrêté de collectionner quand j’ai eu le sentiment que ma collection disait ce qu’elle avait à dire.

Parce que ma collection comprend principalement de très grandes œuvres d’art, j’ai – peut-être plus rapidement que quelqu’un qui a 25 superbes peintures chez lui – pris rapidement le sens de la responsabilité de ces œuvres. J’ai donné la majeure partie de ma collection – 350 œuvres d’art, toutes les plus importantes – à l’EMST, à la Tate, au Guggenheim et au MCA Chicago. J’ai gardé des choses avec lesquelles j’aime vivre. Et j’ai gardé certaines choses qui pourraient éventuellement devenir un actif financier, ou aller dans un autre cadeau ou des activités d’intérêt public à l’avenir.

En tant que collectionneur, mon point de départ a toujours été une notion particulière selon laquelle, même si j’achetais des œuvres d’art et que j’avais un titre de propriété, je n’avais jamais l’impression d’en être le propriétaire. J’ai ressenti un respect pour l’œuvre d’art; J’ai toujours acheté des œuvres d’art pour leur pouvoir d’expression. Je respecte ce pouvoir, et je pense à l’artiste derrière lui, l’être humain qui a lutté, peut-être, ou s’est inspiré, et a fait cette chose.

Une autre de mes valeurs importantes est la façon dont j’ai toujours admiré l’interaction des êtres humains avec l’art. Autant que je regarde des œuvres d’art, je regarde les gens qui les regardent, conversent avec eux et conversent entre eux. L’art est important pour beaucoup de gens pour des raisons inconnues et magiques. C’est aussi quelque chose qui m’a poussé à l’idée que je ne peux pas posséder ces œuvres et en faire ce que je veux. Lorsque vous rassemblez un nombre important d’œuvres, je pense que vous avez une responsabilité quant à leur avenir. Je pense qu’il est faux de dire, comme le font trop de collectionneurs, « je m’en fous ; mes héritiers sauront ce qu’ils veulent faire.

Il y a dix ans, j’ai créé une fondation, NEON, avec deux principes fondateurs : elle n’aura pas son propre espace, et il ne s’agit pas de promouvoir ma collection. Il s’agit d’exposer le public, de Grèce et d’ailleurs, aux enjeux et aux idées de l’art contemporain. C’était mon mantra. J’ai évité de prêter à la fondation de ma collection, car je voulais que ce soit très clair ce que fait la fondation : chez NEON, nous commandons de nouvelles œuvres et empruntons des œuvres à d’autres dans le but de faire des expositions pour le public. Il ne s’agit pas de montrer les œuvres d’art de ma collection, bien que nous ayons présenté une exposition de la collection elle-même, et maintenant une seconde, actuellement intitulée “Dream On”.

Quant à ma conviction que je ne voulais pas avoir notre propre espace, j’avais vu beaucoup d’amis collectionneurs faire ça. C’est une très noble entreprise de vouloir montrer son art et de l’ouvrir au public, mais je n’ai jamais eu l’impression que cela fonctionnait. J’ai toujours senti qu’il y avait une anxiété dans ces organisations pour simplement créer quelque chose d’attrayant et pour répéter quelque chose d’attrayant s’ils ont du succès. J’ai eu l’impression qu’ils étaient coincés dans leur propre construction, qu’il s’agisse d’un bâtiment, d’un musée ou autre, criant au monde extérieur : « S’il vous plaît, venez voir, nous avons de belles choses ici !

Créer un musée privé est un exercice très coûteux si vous voulez bien le faire. Vous devez le doter, non seulement d’argent, mais aussi de capacités de gestion. Et mon expérience en affaires me dit que les bonnes entreprises et les bonnes fondations sont dirigées par des gens qui les lancent et qui sont passionnés. Ils ne sont jamais gérés par des conseils d’administration ou une famille. Ces personnes perdent le fil après un certain temps – pensez à des fondations qui n’ont pas de boussole, pas d’argent et aucun lien avec la gestion initialement dictée par le fondateur. Vous pouvez alors avoir des situations où il y a plusieurs problèmes juridiques liés à la tentative d’interprétation des intentions du fondateur longtemps après sa mort. Essayer d’entendre une voix de la tombe est une grave erreur. Le monde change.

Et puis, quand on regarde la Grèce en particulier, mon petit pays a son propre musée d’art contemporain, qui n’a pas besoin de concurrence, il a besoin de soutien. Si vous voulez que le travail soit vu par les gens, et que ces gens soient maintenus en dialogue avec d’autres arts importants d’une manière qui leur permette de continuer à converser avec l’art à venir, il n’y a pas de meilleure solution que les musées publics.

Dans les cadeaux que j’ai faits, il n’y a pas de stipulations quant à la fréquence à laquelle les œuvres doivent être exposées. J’ai entendu toutes les critiques négatives des collectionneurs qui font cela et des musées qui acceptent ce genre de termes. C’est quelque chose qui irrite les musées, le public et tout le monde. J’ai siégé à des conseils d’administration de musées, alors je sais à quel point il est difficile pour la direction d’un musée de suivre ce genre de règles.

Et, de toute façon, ça ne colle pas avec mon caractère. Pourquoi quelqu’un imposerait-il des choses à un musée ? Pour l’égoïsme et la vanité personnelle ? Lorsque les musées et les conservateurs qui aiment l’œuvre d’art sentent que l’œuvre leur appartient, ils sont plus motivés à en faire des choses. Ils veulent l’utiliser, le montrer au public, encourager le dialogue, impliquer de nouvelles personnes et de nouvelles idées, au lieu d’avoir à lire un contrat tous les mois pour voir ce qu’ils peuvent ou ne peuvent pas faire. Je veux donner aux musées et à leurs publics la liberté de profiter des avantages que les œuvres d’art ont à offrir.

Une version de cet article apparaît dans l’édition 2022 du numéro Top 200 Collectors d’ARTnews, sous le titre “Give and Let Live”.