Revue d’art : expositions de liens sur les techniques similaires de 2 artistes – 1 émergent, 1 établi

Tessa Greene O’Brien, “Layla” Photo par Aliza Eliazarov

Vous ne pensez peut-être pas que la peintre Tessa Greene O’Brien, née et élevée dans le Maine, et l’Américaine d’origine chinoise Jamie Chan (basée à Brooklyn, New York) ont beaucoup en commun. Leurs origines culturelles sont assez dissemblables. O’Brien est un peintre mature qui a beaucoup exposé, dirigé une galerie (Able Baker, aujourd’hui fermée) et organisé des expositions, tandis que Chan est toujours un talent émergent.

Cependant, bien que cela ne soit pas prévu, et bien qu’aucun d’eux ne soit familier avec le travail de l’autre, deux expositions en cours révèlent certains fils tissés à travers les peintures des deux femmes : “The Spins” d’O’Brien à la Buoy Gallery à Kittery (jusqu’au 5 novembre) et « Lettuce Makes You Fatigué » de Chan à la toute nouvelle Dunes Gallery de Portland, qui a ouvert ses portes à la fin de l’été (jusqu’au 30 novembre).

Alors qu’ils servent des objectifs picturaux et thématiques différents, les deux artistes sondent le sujet quotidien, le revivifiant avec des palettes surprenantes de couleurs vives et saturées. Les deux femmes utilisent également la coloration par trempage – une technique inventée par Helen Frankenthaler où de la peinture diluée est appliquée à l’avant ou à l’arrière d’une toile humide afin qu’elle saigne et coule – ce qui apporte une profondeur et un intérêt spécifiques au plan de l’image. Et tous deux peignent des images représentatives sur les surfaces tachées avec ce qui ressemble à de l’urgence et de l’intensité, éclairant les corps, les objets, la flore et d’autres éléments avec des coups de pinceau énergiques.

O’Brien est un artiste très apprécié dans l’État. Elle aborde depuis des années des thèmes familiers – en particulier les paysages – mais elle le fait à travers une palette particulièrement vibrante qui invite le spectateur à contempler ces sujets sous un jour nouveau et frais. Le plus intéressant est la façon dont elle a manipulé la couleur dans de nombreuses peintures pour créer un effet de regarder une version négative d’une image, avec des ténèbres et des lumières inversées, du moins de la façon dont nous nous attendons à les voir.

Une peinture dans le spectacle d’un chien nommé “Layla” le fait d’une manière intrigante. Fondamentalement, la peinture est de trois couleurs : le jaune pour le sable et le ciel éclairé par le jour, un vert clair mêlé de blanc pour l’eau (nous sommes clairement au bord de la mer ou au bord du lac) et un vert plus foncé qui définit un arbre à droite et les contours, les traits et la fourrure de Layla . Mais la canine semble planer dans un état de fusion avec le paysage, avec des zones de jaune sur son corps apparaissant comme insubstantielles et suffisamment transparentes pour révéler le paysage derrière elle.

C’est une façon intéressante de peindre un chien qui relie sa nature animale primitive à la nature sauvage ingouvernable de la nature elle-même. Et c’est le point de beaucoup de peintures dans le spectacle. Les coups de pinceau d’O’Brien semblent rapides à la manière d’un croquis. Pourtant, un sens intuitif de leur caractère délibéré nous ralentit d’une manière ou d’une autre. Dans sa déclaration, elle écrit : « ‘Wild’ n’a pas besoin d’être bruyant ou rapide. Je pense à des castors rongeant des bâtons en une série de marques répétitives, les superposant pour construire un barrage, lentement et méticuleusement jusqu’à ce que le travail soit terminé. Tout geste peut bouillonner dans le domaine de l’incontrôlable.

Cela souligne la nature plus profonde du processus créatif. Oui, il peut y avoir des compétences dans la technique et l’application d’un peintre. Mais il y a quelque chose d’autre de plus abstrait et de mystérieux à l’œuvre ici, quelque chose que le peintre canalise mais qu’il n’émet ni ne contrôle.

Tessa Greene O’Brien, “La dentelle de la reine Anne” Photo par Aliza Eliazarov

D’autres peintures de chiens telles que “Izzy et Wally” et “Izzy et Wally Roll” (toutes deux incorporant la technique de la toile teintée) télégraphient ces mêmes qualités d’image négative et la nature sauvage inhérente à la nature. Mais cela se produit également avec son autoportrait, en particulier dans une autre œuvre à l’huile sur toile teinte intitulée “La dentelle de la reine Anne”. Il y a quelque chose dans les utilisations jaunes d’O’Brien qui émane de la chaleur d’une journée d’été. La superposition de peintures et de formes végétales de l’artiste, qui oscille entre représentation et simple suggestion, donne un caractère sauvage à la scène.

O’Brien elle-même apparaît, téléphone portable à la main, presque comme une manifestation fantomatique dans la nature. Elle se sent comme une présence temporaire dans quelque chose de plus puissant, de plus vivant et de plus imparable. Elle photographie peut-être la scène avec son téléphone, mais comme l’image qu’elle capture, la réalité de sa présence est éphémère, subsumée dans l’instant après avoir cliqué sur sa photo dans l’inexorable mouvement vers l’avant du temps.

Tessa Greene O’Brien, “Fort Williams (Tennis)” Photo par Aliza Eliazarov

“Fort Williams Field (Tennis)” est l’une des œuvres les plus convaincantes de la série. C’est probablement la représentation la plus précise, même si encore une fois le coup de pinceau d’O’Brien semble chargé d’une sorte de férocité de la vie qui traduit le potentiel de la nature à envahir et dépasser un monde cultivé et taillé par les humains.

Elle intensifie ce contraste en nous faisant entrevoir à travers les arbres les grilles rectangulaires soignées d’un court de tennis. Cette portion est infime par rapport aux dimensions de l’œuvre et semble sur le point d’être engloutie par la flore. La juxtaposition est encore renforcée par le ciel, qui reste principalement sous forme de toile tachée de rose, lui donnant une présence d’un autre monde.

L’œuvre d’O’Brien est passionnante par son mélange d’adresse, de liberté et d’imminence. Quelque chose semble sur le point de se produire dans beaucoup de ces peintures, et leur aura d’imprévisibilité et de création spontanée est quelque chose que nous ressentons – parfois de manière troublante, mais souvent avec excitation – dans les profondeurs de notre âme.

SUIVRE LA VIE

Les peintures de Jamie Chan parlent d’une artiste essayant d’équilibrer sa vie créative avec les impératifs financiers d’avoir un travail « régulier », de rester en forme et de gérer le barrage d’attentes ambitieuses que nous impose la culture moderne.

La situation difficile de Chan, bien sûr, n’a rien de nouveau. Jeff Koons était courtier en matières premières avant de percer dans le monde de l’art. Richard Serra a payé sa pratique artistique avec le produit de son entreprise de déménagement de meubles (Philip Glass était son assistant). Keith Haring était aide-serveur, Barbara Kreuger (sans surprise) était graphiste chez Condé Nast, et Dorothea Lange a au moins travaillé dans son domaine en tant que finisseur photo dans un magasin de fournitures photographiques.

Ce qui est nouveau ici a à voir avec une génération plus jeune, de plus en plus autoréférentielle. Certes, l’histoire ne manque pas de créateurs qui se sont attardés sur leur mystique « artiste souffrant » et, ce faisant, ont amélioré le marché de leur travail (Pièce A : Paul Gauguin). Pourtant, pour les millennials et les Gen Zers – occupés par les médias sociaux, bombardés d’images publicitaires vantant des modes de vie idylliques, plongés dans le culte de la célébrité – parler et faire de l’art sur le stress quotidien de la vie contemporaine est ce qu’ils font. Ce n’est pas nécessairement narcissique ; juste leur zeitgeist culturel particulier.

Rejeter l’art à cause de ce que nous percevons comme un nihilisme juvénile serait passer à côté d’un excellent travail. L’art a toujours fonctionné comme un commentaire sur l’époque à laquelle il a été conçu. Et des voix fortes, bien qu’encore en développement, comme celle de Chan seront une mesure par laquelle nous pourrons comprendre notre époque actuelle.

Jamie Chan, « Body Scan », 2021, aquarelle, acrylique, fusain sur lin non apprêté, 36″ x 50″

Par exemple, si vous pensez qu’une peinture de personnes qui s’entraînent semble ennuyeuse, vous devez voir “Offering by Greyson” et “Body Scan”. Mélangeant la coloration par trempage, l’acrylique, l’aquarelle et le fusain sur du lin non apprêté, ces œuvres sont audacieusement colorées et intensément physiques. Leur recadrage concentre l’attention sur l’effort de l’exercice, tout en tenant également d’autres parties de la vie de Chan.

“Offering” a une bande le long du quart supérieur de la toile qui, bien que pas tout à fait claire, semble représenter Chan et son amie : l’artiste travaillant à un bureau, Greyson s’étirant avant ou après l’exercice et Chan buvant une boisson. Le reste de la toile est consacré à une image plus aboutie de l’étirement de Greyson. “Body Scan” se concentre sur deux personnages – l’un juste un torse et des jambes au premier plan – qui s’étirent également. Tout l’exercice se déroule à la maison, indiquant un isolement COVID de ces personnes.

Dans les deux cas, la palette de roses, de rouges et de bleus rend le banal monumental. Et par monumental, je veux dire que l’effort d’être humain à notre époque actuelle est gargantuesque. C’est une quête encore plus difficile de trouver le silence dans toute cette activité. C’est une condition contemporaine qui vaut la peine d’être envisagée.

Jamie Chan, « Office Cerberus », 2018, aquarelle et acrylique sur toile, 72″ x 42″

“Office Cerberus” est, littéralement, la scène cauchemardesque d’un employé de bureau, tout le côté gauche et le bas dominés par un diable et le mythique chien à trois têtes (Cerberus) qui garde Hadès. Le patron est en fait le diable, tandis que le Cereberus est le secrétaire, refusant ou admettant l’accès. Chan est au milieu à droite du tableau, tourbillonnant nue sur sa chaise de bureau.

Mais le tableau est compliqué par un avion au milieu, ce qui pourrait suggérer beaucoup de choses : des rêveries de vacances au sort des employés de bureau dans les tours jumelles lors des attentats du 11 septembre (il se dirige droit vers Chan). Quoi qu’il en soit, la vie de l’employé de bureau est un labeur et une monotonie qui nécessitent une évasion ou mènent à un destin horrible. Encore plus ambigu est le quadrant supérieur droit, qui représente trois mains tenant des outils qui pourraient également inférer de nombreuses significations.

Il pourrait s’agir d’outils du métier artistique de Chan : les mains pressant un tube de pigment, épinglant une œuvre avec une punaise ou utilisant un couteau à palette. Ou ils pourraient être quelque chose de beaucoup moins savoureux : divers instruments de torture qui personnifient le travail de bureau. Qui sait?

Mais ce qui fait que les expériences de Chan résonnent artistiquement, c’est son processus. Parce que Chan jongle perpétuellement avec son temps, elle ne peut consacrer qu’une heure ou deux à son travail chaque jour. Ainsi, les peintures progressent sporadiquement. Les techniques mêmes qu’elle utilise incarnent son cheminement vers l’équilibre au milieu de la cacophonie de la vie contemporaine.

Elle peut appliquer des lavis acryliques dilués ou des aquarelles à l’arrière ou à l’avant d’une toile et ne pas les revisiter pendant un an. Puis elle reprend, peut-être en ajoutant plus de taches ou de lignes de fusain ou de peinture acrylique. La peinture émerge comme sa vie le lui permet. Même ne pas le savoir, cependant, n’empêche pas le fait que, visuellement, son travail est stratifié, luxuriant et intéressant.

Jorge S. Arango écrit sur l’art, le design et l’architecture depuis plus de 35 ans. Il vit à Portland. Il est joignable au : [email protected]


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